Zero,
artista aspirante, maestro dell'inazione e degli amori inespressi, è
un analfabeta sentimentale con un armadillo per grillo parlante e un
biglietto per Brescia. Nel tempo libero si stordisce di seghe,
plumcake e autocommiserazione. Dove sta andando accompagnato dagli
amici di sempre, Sara e Secco? Per ingannare l'angoscia, durante
questo viaggio della vita – e della morte –, darà avvio a un
flusso di coscienza brillante, verboso, coloratissimo, capace di
raccontare a suon di citazioni nerd il precariato, l'indecisione
cronica, l'istruzione scolastica, le relazioni tossiche, gli aneddoti
belli e quelli brutti. Già conosciuto attraverso la trasposizione di
La profezia dell'armadillo, Zero mi ha fatto prima bene e poi
male. Zero non mi piace. Zero mi somiglia così tanto da mettermi in
imbarazzo. Alter-ego di un famoso fumettista romano, che questa volta
scrive, dirige e doppia per Netflix, è la voce dolente di una
generazione vicinissima alla mia tanto nella pazza gioia quanto nella
disperazione. Perché essere giovani, oggi, significa sentirsi degli
eterni fogli accartocciati. Non abbiamo linee tratteggiate da
seguire, né forbici per realizzare un bel lavoro di precisione.
Strappiamo alla cazzo di cane, e ci strappiamo. Siamo stracci,
coriandoli. Siamo tagli. Nel ricordarcelo, nichilista con ironia,
Zerocalcare firma una delle migliori novità dell'anno corrente. (8)
In
fuga da una relazione tossica insieme alla figlioletta, Alex sbarca
il lunario come domestica. Pulisce le case dei ricchi, e ne carpisce
le storie, i segreti, le felicità apparenti. Alex smacchia, sgrassa
e lucida in silenzio. Ma a dispetto degli sforzi titanici non riesce
a cancellare i dolori della propria famiglia disastrata, composta da
una madre bipolare, un padre assente e un partner tenero ma
imprevedibile negli sbalzi d'umore. Attraverso i viavai giornalieri
della protagonista, questa miniserie – ispirata a una storia vera –
racconta con sguardo partecipe i figli di un Dio minore. Quelli dei
sussidi statali, delle case-famiglia, del buoni pasti: i novelli
miserabili. Prodotta dagli autori di Shameless e Promising Young Woman, Maid descrive
in maniera simile il disagio sociale e la solidarietà femminile
senza però mai propendere per il grottesco. Realistica,
introspettiva, ma all'occorrenza sognante, è un'ordinaria storia
d'ispirazione e coraggio sorretta da un cast straordinario. Benché
stupisca il Nick Robinson dell'adolescenziale Tuo, Simon,
giganteggiano Margaret Qualley e
Andie MacDowell. Mamma e figlia anche nella vita reale – la prima
una definitiva consacrazione, l'altra un insperato ritorno di fiamma:
le rivedremo entrambe ai Golden Globe – minacciano di andare in
pezzi in continuazione. Ma, miracolose fino all'ultimo, non si
rompono. (7,5)
Oscar
Isaac e Jessica Chastain – quanta bellezza, quanta bravura: ne
saranno ben felici i nostri ormoni – si amano e si odiano alla
follia nella miniserie ispirata a Bergman. Seppure a ruoli inversi
rispetto al film originale, discutono di monogamia, sesso e
tradimenti nell'arco di cinque puntate. Lui, insegnante di filosofia,
è caloroso e accomodante. Lei, manager ambiziosa, appare più
disincantata. Nonostante la sceneggiatura e le performance, di
altissimo livello, siano state acclamate all'unisono al Festival di
Venezia, il piglio freddo e cerebrale del tutto non è riuscito mai a
emozionarmi. Anzi: lo script sembra fare il possibile per renderli
insopportabili, con Isaac ridotto a uno zerbino e Chastain
trasformata in un'aguzzina capricciosa. Alle “scene” di Hagai
Levi – sbrodolate sedute psicoanalitiche mascherate da schermaglie
coniugali – manca qualsiasi spontaneità. Possibile che fosse più
dolorosa una lite di pochi minuti nell'ultimo Baumbach rispetto a
questo profluvio di recriminazioni e pavoneggiamenti stellari? Per
riprendersi dall'eventuale delusione, consiglio la terza stagione di
Master of None –
altro tributo al maestro svedese – o Chiamami ancora amore, un Kramer VS
Kramer all'italiana prodotto
dall'insospettabile mamma Rai. (6)
Una
famiglia con detestabili figli adolescenti al seguito. Una coppia di
neosposi minacciata dalla tristezza di lei, insofferente verso quel
marito capriccioso. Un'appariscente donna di mezza età con un'urna
da spargere nell'oceano. E un resort esclusivo, nelle sognanti
Hawaii, che per qualche tempo ne accoglie le storie, gli strepiti e i
disastri tragicomici, mentre il suo impettito direttore rischia di
perdere il suo buon nome. Le esistenze dei villeggiantisi
intrecceranno con risultati imprevedibili a quelle dei dipendenti.
Grottesca, acidissima, scritta in stato di grazia, The
White Lotus fa ridere a denti
stretti a proposito di white privilege, patriarcato e perbenismo.
Come nella migliore tradizione della satira sociale, la sceneggiatura
– perfetta nei primi episodi – bacchetta i vizi di questi
riccastri vuoti e superficiali. I toni sono corrosivi, la colonna
sonora tribale, il cast strabiliante – l'iconica Jennifer Coolidge
su tutti, ma occhio anche ai sorprendenti Murray Bartlett e Alexandra
Daddario. Peccato per l'epilogo, agrodolce ma senza coraggio: un
ritorno alla normalità (con omicidio) che non convince
completamente. Bella, ma non quanto si leggeva in giro ai tempi della
messa in onda su Sky, resta la versione riuscita della pessima Nine
Perfect Strangers ma non il
capolavoro annunciato. (7)
Un
attore sul viale del tramonto, un regista in bancarotta e una
ventiseienne dal passato enigmatico fanno squadra per indagare su un
omicidio avvenuto nel loro condominio. Che la morte di un solitario
uomo d'affari sia correlata a quella di una giovane di buona
famiglia, caduta dall'ultimo piano qualche anno prima? I sospettati,
di tutto rispetto, comprendono anche Nathan Lane e la rockstar Sting.
Giocando a fare i detective, i tre protagonisti contribuiscono a
creare un un podcast dal successo istantaneo e questa deliziosa
comedy d'ambientazione newyorese, che nei suoi momenti più felici
ricorda proprio il Woody Allen di Misterioso omicidio a
Manhattan. Peccato che,
nonostante qualche trovata particolarmente brillante – il settimo
episodio, un prodigio tecnico girato dal punto di vista di un
inquilino non udente – e colpi di scena in quantità, il risultato
sia tanto piacevole quanto innocuo. Già confermato per una seconda
stagione, Only Murders in the Building resta
in ogni caso l'intrattenimento ideale per gli amanti di Agatha
Christie e per spettatori arzilli anche se in là con gli anni. I
suoi pregi maggiori? Aver riporto sugli schermi Steve Martin e Martin
Short, irresistibili mattatori, che ammiccano alle nuove generazioni
– da qui il coinvolgimento di Selena Gomez – e brindano alla vita
scherzando a lungo con la morte; la sigla animata, tra le più belle
dell'anno corrente; il format vincente, purtroppo supportato da un intreccio poliziesco
tutt'altro che indimenticabile. (6,5)
È
la serie del momento. La amano. La odiano. Amano odiarla. Io stesso
l'ho affrontata con scetticismo, al pari di un tormentone estivo
venuto a noia prima del tempo per via degli schiamazzi dei vicini. I
primi episodi non mi davano torto: a causa dei meme spammati
dappertutto, avevo l'impressione di averli già visti. E in una serie
in cui l'originalità non è di casa – ricorda The
Running Man, Battle
Royale e Hunger Games,
ma anche gli intrecci kitsch delle spagnole La casa di
carta e Vis a vis
– gli spoiler sparsi rovinavano le rare sorprese rimaste. Qualcosa
è cambiato negli ultimi: quando questo gioco al massacro,
eccezionalmente made in Corea, lancia guanti di sfida più sadici e
imprevedibili; quando le uscite di scena cominciano realmente a
spezzare il cuore. È un'arena in cui dei giocatori pronti a tutti si
sfidano per un ricco montepremi: ne uscirà soltanto uno. Chi? Tra
partite a un due tre stella, tiri alla fune e lanci d biglie, si
procede in maniera implacabile sfida dopo sfida. Ci si affeziona ai
più fragili, si detestano carcerieri e prepotenti, ma si sente
spesso la mancanza di una satira sociale più spiccata – no, non
siamo al cospetto di un nuovo Parasite
–, così come si sorride delle imprese assurde di un poliziotto
sotto copertura. Nonostante si tifi soprattutto per un papà povero
in canna, il suo vicino di casa caduto in disgrazia e un'adolescente
con un fratellino da salvare dall'orfanotrofio, le protagoniste
assolute sono loro: le straordinarie scenografie dai colori pastello,
capaci di coniugare stile e inquietudine. Tutt'altro che perfetta,
Squid Game non è né
un capolavoro né un flop, ma una soddisfacente via di mezzo: un
intrattenimento solido, ma dal successo forse immotivato, che
spero avvicinerà il pubblico medio alle visioni in lingua originale
e alle chicche del cinema asiatico. (7,5)
Il
talento narrativo e stilistico di Mike Flanagan è pressoché
indiscutibile. Nato a Salem, cresciuto a pane e Stephen King, unisce
l'horror al melodramma con un equilibrio che lascia ogni volta
commessi. Anche quando, come questa volta, non tutto torna. Anche
quando, come questa volta, non tutto appare funzionale: soprattutto i
dialoghi fiume, destinati a sfociare gratuitamente in un epilogo di
sangue e fiamme. Su un'isola dal fanatismo religioso totalizzante,
l'arrivo di un nuovo parroco genera miracoli e misteri. La buona
novella è un contagio. La comunione, cannibalismo vampiresco.
Midnight Mass ha
soltanto sette episodi, ma si prende il suo tempo. Lenta, corale e
verbosa, intavola lunghe conversazioni sulla fede, la morte, il senso
di colpa, la diversità culturale e religiosa. Gli elementi horror
sono sparpagliati cautamente in ogni episodio e, quando il
soprannaturale si manifesta, semina un po' di disappunto per quella
computer grafica imperdonabilmente anni Novanta. La violenza e le
lacrime, immancabili davanti a monologhi degni dei fasti di The Haunting of Hill House, giungono
in ritardo e tutte insieme. Finendo per sconfessare, in parte,
l'approccio un po' pretenzioso del resto. Perché tanto
esistenzialismo per un caos che non lascia niente all'immaginazione?
Accolta da molti come il capolavoro del regista, la serie mette
tanta, troppa carne al fuoco. Discontinua ma generosa, punta su una
sceneggiatura zeppa di scene madri e su un buon cast d'insieme:
l'intensa e bella Katy Siegel, un Hamish Linklater finalmente in una
performance da ricordare e Samantha Sloyan, più spaventosa di
qualsiasi demone. Quanto è cieco il fanatismo? Quanto è fragile,
quanto è disperata, la fede nell'impossibile? Ce lo spiega Flanagan,
tra ambizione e kitsch, prodigi e mostruosità, sacro e
profano. (7)
Dopo
aver sepolto la prima innamorata, lo stalker Joe ha finalmente
trovato la sua anima gemella: Love, conosciuta nel corso della
seconda stagione, a sorpresa era perfino più matta e sanguinaria di
lui. All'improvviso neogenitori, prendono a seminare il caos in un
ridente quartiere residenziale: mogli tentatrici, coppie no-vax e
allettanti scambisti hanno ovviamente le ore contante. Tutti presi
dal coprirsi le spalle a vicenda, i protagonisti non rinunciano
tuttavia a nuove ossessioni: mentre Joe si invaghisce di una bella
bibliotecaria in lotta per l'affidamento della figlioletta, Love si
lascia lusingare dal vicino adolescente. E tutti fanno sesso con
tutti, in questi dieci episodi di cinquanta minuti ciascuno, ma la
serie è troppo grottesca e sopra le righe per risultare sexy. Il
matrimonio riparatore? È la tomba dell'amore in You:
da me attesissima, come sempre, nonostante un inizio intrigante e un
prosieguo inspiegabilmente sciocco. Come mai gli sceneggiatori hanno
deciso di trasformare i delitti di un fascinoso psicopatico in una
commedia con qualche morto ammazzato qui e lì? Da vedere senza
pretese, magari doppiata e sbrigando tutt'altro, la terza stagione
diventa una novella Santa Clarita Dietche
lascia gli zombie e flirta con i serial-killer. A darle un senso,
oltre al consolidato carisma di Penn Badgley, sono il monologo
conclusivo di una sempre bravissima Victoria Pedretti – a volte
angelica, altre delirante, si concede una stoccata accesissima contro
il perbenismo e il maschilismo della società contemporanea: in
sottofondo Taylor Swift e Bon Iver – e l'insospettabile cambio di
scenario degli ultimi minuti. Cosa succederà dopo un finale più
movimentato e cattivo del resto, che solleva fuoco e fiamme in
periferia? Ho il sospetto che al suo ritorno You
– subito rinnovata per una quarta stagione – sarà nuovamente la
discutibile parodia di sé stessa, ma che nuovamente me la gusterò
in binge watching. (6,5)
All'inizio
l'avevo sottovalutata, scambiandola per una specie di American Pie. Ma capace com'è di alternare i momenti
goderecci alle riflessioni, a sorpresa, Sex
Education è una serie che cresce di stagione in stagione. E la
terza, per me, è la più bella finora prodotta. Matura e inclusiva
come non mai, oltre a seguire l'evoluzione di personaggi ormai
amatissimi, ha un occhio di riguardo verso il mondo
queer. E l'amore platonico tra l'atleta popolare e il nuovo
personaggio non binario, insieme a una scena che affronta la tematica tabù di sesso e disabilità, è di una delicatezza commovente.
Di mezzo ci si mette anche la preside Jemina Kirke, cattiva ma non
troppo, che per riportare ordine impone divise inamidate e etichette. Nell'impossibilità di
esprimere sé stessi, i personaggi sentiranno nostalgia delle lezioni
impartite da Otis e Maeve: ormai ai ferri corti – lui in una
relazione segreta con Ruby, lei presissima da Isaac –, per un po' si sfiorano a malapena ma faranno scintille in gita. Come può Aimee superare il trauma delle molestie?
Con chi possono confessare Eric e Adam, dopo un clamoroso coming out, le prime titubanze? C'è qualcosa di sbagliato nelle
fantasie di Lily, che si eccita soltanto con racconti sugli alieni?
Mentre gli adulti spiazzano tutti con una gravidanza imprevista – è
fiocco roso per Gillian Anderson –, gli sceneggiatori non dimenticano di
approfondire i comprimari né di stare al passo. La serie elogia il sesso, in qualunque sua
forma, ma condanna il sessismo. Dà voce a ogni identità di genere,
mette in mostra ogni corpo. È empatica e formativa, senza mai
scadere nel didascalismo: la farei vedere a scuola, vorrei viverci
dentro. Perché insegna stare meglio al mondo, e con più leggerezza. (8)
Era
la coccola di cui avevo bisogno, soprattutto per riprendermi dai
postumi dell'estate appena passata. Ma dopo quel debutto dolce e
brillante, finito nel meglio della sua annata, questa volta Modern
Love non propone né sensazionali parate di stelle (gli attori
più famosi sono Minnie Driver, Anna Paquin e Kit Harrington: pochi e
televisivi) né lacrime durature. Di otto episodi ne ho apprezzato fino in fondo soltanto tre. Il primo (la macchina del defunto marito Tom Burke da dare via: preparate i fazzoletti), il sesto (due anime
tradite si incontrano e fraternizzano in fila da un terapista: dirige
il regista del bellissimo Brooklyn), il settimo (dopo un'isolata
notte di passione, due ragazzi gay si incrociano lungo le strade di
New York con un espediente narrativo a metà tra Closer e The
Affair). Godibili il secondo e il terzo (piccole commedie indie
che azzeccano i ritmi e le tematiche, ma sbagliano purtroppo il cast:
peccato), di una noia inenarrabile il quarto e il quinto (il primo
amore di una stand-up comedian e la scoperta di sé di
un'adolescente, forse lesbica, forse asessuale), stucchevole ma
guardabile il conclusivo (troppa carne al fuoco, tra ritorni di
fiamma e malattia, per non scontentare gli inguaribili sentimentali).
Tutt'altro che moderna, romantica a tratti, a questo giro non vi farà innamorare. (6)
D'un
fiato, anche se in ritardo sulla tabella di marcia, ho recuperato anche la quinta stagione di This is us.
Nonostante i momenti di commozione non si siano negati, complice i ritmi del binge watching, per me è forse la stagione più discontinua e
frammentaria del ciclo: soprattutto dopo i fasti impensati della
precedente, di una magia pari a quella dell'esordio. Trovo saggia perciò,
come annunciato da cast e produttori, la scelta di salutare per sempre la famiglia Pearson il prossimo anno: la sesta stagione sarà l'ultima. I flashback e i flashforward sono introdotti disordinatamente,
con flebili fili conduttori a unirli. La costante presenza del Jack
di Milo Ventimiglia, a malincuore, appare sempre più forzata. Ma se
un Kevin neopapà si conferma il mio preferito dei tre fratelli e
Kate, invece, la più insopportabile, sorprende constatare quanto a
tenere banco siano quei comprimari un tempo in secondo piano:
l'adorabile zio Nicky, la madre biologica di Randall, Beth, Toby,
Miguel e soprattutto Madison, futura sposa di Kevin. L'emergenza sanitaria ancora in atto avrà fatto
sicuramente la sua parte, guastando i piani di gloria degli
sceneggiatori. E per la prima volta, così, viene messo in scena in
TV il dramma delle mascherine antisettiche, degli abbracci
centellinati, della degenza. Il pregio? Benché dimenticabili, questi
quindici episodi sono la campagna vaccinale più efficace su piazza. Per questo e per l'affetto che ormai ci lega, gli perdoniamo
qualche sbadiglio qui e lì. (7)
Comedy su un adolescente autistico alle prese con le gioie e i dolori della
crescita, è la serie che più mi ha tenuto compagnia negli anni. Giunta alla quarta stagione, non senza qualche tempo
morto nel mezzo, Atypical ci dice addio senza grandi sensi di
colpa. Il protagonista, Sam, è cresciuto: ha ormai una fidanzata di lunga
data, convive con il migliore amico e, a dispetto della sua diagnosi,
punta con energia a ottenere l'indipendenza economica e affettiva.
Punta a un viaggio in Antartide, soprattutto, per andare a vedere
finalmente di persona i suoi animali preferiti: i pinguini, che
guarda incantato allo zoo e di cui conosce le caratteristiche a
menadito. Ma questa non è più soltanto la sua storia.
Nel corso del tempo Atypical ha riservato sempre più
attenzione ai personaggi secondari, al punto da seguire nel dettaglio
tutti gli altri membri della famiglia Gardner. Mentre i genitori si
riavvicinano, dopo il tetro pensiero di divorziare, la
sorella maggiore – Casey, il personaggio più in divenire –
esplora con consapevolezza i propri limiti e la propria sessualità.
Non tutto fila come dovrebbe. Anzi, questa volta dieci episodi
sembrano troppi e troppo tirati per le lunghe: trascinandoci, lasciano
percepire la pochezza di una trama ormai giunta alle battute
conclusive. Al pari di The Kominsky Method (vista,
ma senza Alan Arkin nel cast perché scriverne?), Atypical si
conclude a malincuore con la stagione più debole e dimenticabile. Ma il finale,
dolce e conciliante, compiuto, ripaga comunque le attese. (6,5)
La
poetessa americana Emily Dickinson raccontata in versione
post-moderna. Non soltanto una trascinante colonna sonora
contemporanea e un linguaggio colorito, ma anche: la scrittura
febbrile, la speranza e il terrore di essere pubblicata, il
sempiterno flirtare con i mostri e i fantasmi della mente umana, la bisessualità.
Dopo un esordio folgorante, finito a pieno diritto nel meglio della sua annata, la
serie Apple non rinnova il colpo di fulmine ma nemmeno delude. Fresca e
godibile, benché sottotono rispetto ai fasti del debutto, non può
contare più sul precedente effetto sorpresa e patisce la concorrenza
della recente The Great –
altro period drama maleducato e dissacrante, ma dalla sceneggiatura
più graffiante: recuperatelo! Gli episodi belli per fortuna non
mancano – vedasi l'ottavo –, insieme ai comprimari adorabili.
Qualcuno ha citato Austin e Lavinia, il fratello e la sorella di
Emily? La definizione, invece, mal si addice ahimè a Sue: l'interesse
amoroso della protagonista, al centro di un inossidabile triangolo
sentimentale, è uno dei personaggi più insopportabili del piccolo
schermo. L'ex bambina prodigio Hailee Steinfeld, ribelle e appassionata, sin troppo in un
epilogo che non convince per via del suo telefonato ritorno di fiamma, si
conferma una magnetica padrona di casa. La sua storia troverà
conclusione a novembre, sempre su questi schermi: la terza stagione, per la giovane Emily, sarà
l'ultima poesia. Il prossimo mese lecito confidare nel proverbiale canto del cigno? (7)
Nel
primo autunno a corto di BoJack Horseman – a quando,
Netflix, la sesta stagione? –, gli sceneggiatori Kate Purdy e
Raphael Bob-Waksberg hanno unito le forze per una nuova serie animata. Lontani dai retroscena di Holliwoo, con Amazon a
produrre, passano al tema fin troppo abusato dei viaggi nel tempo;
dall’animazione tradizionale alla tecnica del rotoscope, già
sdoganata da Richard Linklater. Inutile dire, non ci si
aspettava semplicemente un bell’esordio: carico di aspettative,
alla luce dell’entusiasmo letto in rete, confidavo in una delle
serie dell’anno. Così non è stato, senza grandi rimpianti, e
spiego subito il perché. Undone racconta del tracollo
psicologico di Alma all’indomani di un incidente stradale:
risvegliatasi dal coma, la maestra d’asilo scopre di poter parlare
con il padre – scienziato morto in circostanze misteriose – e di
essere in grado di cambiare il corso degli eventi. Ma la
protagonista, interpretata dall’ottima Rosa Salazar, ha una nonna schizofrenica, cicatrici sui polsi,
medicinali che a un certo punto sceglie di non prendere. La sua è
una missione degna di un supereroe, o un’avvisaglia della malattia
mentale? Nel frattempo la sorella sta per convolare a nozze, la mamma
iperprotettiva per scoperchiare un vaso di Pandora colmo di rancore
verso il compagno defunto – un insopportabile Bob Odenkirk – e il
dolcissimo fidanzato Sam, come lei reduce da un’infanzia difficile,
tenta di assecondarla nonostante il dubbio che stia delirando.
Vicina all’estetica della coppia Kaufman-Gondry, ma anche al
romanticismo del nostro Valerio Mieli, la prima stagione di Undone
è tanto brillante dal punto di vista umano quanto derivativa
sotto l’aspetto fantascientifico. Le si riconoscono un’animazione
all’avanguardia, la solita grande scrittura – qui non lineare –,
quei personaggi adorabili e dolenti che funzionano soprattutto nelle
situazioni di tutti i giorni, lontani dallo sperimentalismo della
trama. Paradossalmente, è proprio la componente sci-fi – per quanto vicina
al cinema che piace a me, quello minimalista del Sundance – a non
far gridare al miracolo davanti a questa ricerca proustiana a metà
fra l’irrestistibile Fleabag e il dimenticato Maniac.
Per alcuni imperdibile, dal poco che si è visto appare sicuramente
una visione stimolante. Ma, per il momento, con lo stesso senso
d’irrisolto del titolo. (7)
Benvenuti
a Elden, sinistra ma bellissima città portuale sulle coste francesi.
L’unica attrazione turistica, all’inizio, era il vecchio faro. Ma
dopo la fama raggiunta da una delle sue abitanti, l’attenzione si è
spostata al mondo dei libri: quegli scenari sono stati d’ispirazione
alle creazioni dell’amata-odiata Emma, scrittrice horror di fama
mondiale di ritorno all’ovile in seguito a un evento preoccupante:
l’antagonista della sua storia, una strega in cerca di vendetta,
sembra essere sbucata fuori dalle pagine per ricattarla tirando in
ballo la famiglia, gli ex compagni di scuola, un lutto passato. La
colpa di Emma: aver messo un punto fermo alla saga di Lizzie Lark,
quando il mostro – Marianne, sposa di Satana condannata ai tempi
dell’Inquisizione – non voleva ancora essere dimenticata. In un
villaggio in cui male e mare fanno rima, quattro amici d’infanzia
si danno appuntamento per riabbracciare la ragazza e aiutarla. Ma
lei, tipino sarcastico e scontroso dotata della bellezza rockettara
di Victoire DuBois, è un buco nero che porta con sé sfortune e
tragedie. Fra vecchi amori e nuovi incubi, la serie d’oltralpe non
si lascia sfuggire elementi di sicuro raccapriccio: voci mostruose o
cantilenanti, figure nell’ombra, risate di bambini spettrali, cani
rabbiosi e denti strappati, anche se a ispirare
l’inquietudine maggiore è la performance di una strepitosa
Mireille Herbstmeyer. Non mancano gli inserti ironici, garantiti da un detective un
po’ sopra le righe, né l’effetto nostalgia quando si entra in
territori kinghiani: lo spunto è quello di un Misery in
chiave soprannaturale, infatti, ma la rimpatriata ricorda proprio
quella dei Perdenti di It. Tanto l’ultimo film di Muschietti
è fallimentare nella componente orrorifica, però, quanto questo
Marianne è riuscito. La serie, cosa rara, fa genuinamente
paura. Una paura generata dagli innumerevoli jumpscare alla James
Wan, ma anche dal fascino macabro delle tematiche e delle
ambientazioni. Di grande atmosfera, piena di citazioni letterarie e
sobbalzi, è consigliata a chi come me ha apprezzato l’ultimo
Laugier. Un carrozzone del terrore sì ammiccante e già visto, ma comunque invidiabile per cura e gestione della suspance: perfetto per
entrare nel mood di Halloween. (7+)
Erano
giovani, carini e bugiardi. Erano, a mani basse, il guilty pleasure
dello scorso anno. Sfacciatamente trash, un po’ Gossip Girl
e un po’ Le regole del delitto perfetto, Elite mi
aveva divertito da morire con il suo vortice di intrighi
adolescenziali, sangue e sesso spinto. Chi aveva ucciso Marina? Era
il grande dubbio della prima stagione. Quest’anno l’interrogativo
cambia: cos’è successo al povero Samuel, l’outsider sulla bocca
di tutti per via della sua borsa di studio e della parentela con
l’accusato? Le variazioni sul tema sono minime: i nuovi ingressi
sono un’arrampicatrice sociale, con una mamma pagata per fare le
pulizie fra i corridoi della scuola privata; una presunta vincitrice
della lotteria, in realtà coinvolta in un traffico di stupefacenti;
il fratellastro della subdola Lola, ovviamente legato a lei da
un’attrazione incestuosa alla Cruel Intentions. Scompaiono i
volti più noti – Jaime Lorente e Miguel Herràn, forse impegnati
sul set della Casa di carta – e la sorpresa è tutta per
l’evoluzione del personaggio di Guzmàn, il fratello della ragazza
assassinata, al centro di un cammino di vendetta e redenzione. Per
fortuna sempre incensurati e recidivi, i giovani spagnoli sono meno
divertenti e coinvolgenti che in passato, ma più maturi. La seconda
stagione ha un andamento maggiormente lineare e conserva, per far
presa garantita sui buoni amanti del trash, la sua natura di mancata soap
opera. Innumerevoli le relazioni proibite, le coppie che ora
scoppiano o si consolidano, le amicizie storiche messe in pericolo
dal sospetto. Le tinte torbide, eppure, in teoria sono quelle di una
moderna tragedia shakespeariana. Si parla nemmeno troppo fra le righe
di quanto logorino la corruzione, il senso di colpa, il potere. Ma ci
si distrae, se in un prodotto leggerissimo, alla maniera dei ricchi: fste grandi e rumorose, alcol a fiumi, cocaina sniffata nei bagni di lusso. Il non detto li rende tutti
spensierati, ma anche complici e assassini. Il non detto ci renderà
tutti curiosi, davanti all'idea di un rinnovo già annunciato. (6,5)
Secondo
e ultimo capitolo per l'adattamento cinematografico firmato da Andy
Muschietti. Dopo le gioie e gli orrori di due anni fa, i Perdenti
stanno tornando per la resa dei conti. E Pennywise, scacciato per
ventisette anni, a giudicare dal trailer è più cattivo che mai.
Dato il cast – in cui ora spiccano i bravissimi Jessica Chastain e
James McAvoy –, data la durata annunciata – quasi tre ore –,
non dovremmo aspettarci brutte sorprese o tagli da macellaio. Ma
oggettivamente meno brillante di quella dedicata all'infanzia, la
parte finale è la più dimenticabile: dunque, la più difficile da
realizzare. Ricordate anche voi che disastro fece la miniserie degli
anni Novanta? Da qui al cinque settembre, doppiamente spaventati,
conteremo i giorni e i palloncini.
Doctor Sleep 7 novembre 2019
Ancora
Stephen King, da qualche anno più inarrestabile che mai. Ancora un
secondo capitolo. Questa volta tutt'altro che atteso. Accolto con
preoccupazione diffusa dai fan del capolavoro di Stanley Kubrick –
non lo siamo né io né l'autore del Maine –, Doctor Sleep
è il seguito ufficiale di
Shining. Il piccolo
Danny, interpretato da Ewan McGregor, è cresciuto ma non ha perso la
luccicanza. Mosso dal desiderio di proteggere una bambina con le
sue stesse doti, si imbatte nella vampira Rebecca Ferguson – e sui
luoghi del delitto dell'Overlook. Mike Flanagan si butta a bomba. Il
trailer mozzafiato, infatti, ripercorre i corridoi iconici del primo
film in ricostruzioni d'impressionante fedeltà. Abominio, dirà
qualcuno. Ma del regista che ha firmato The Haunting of
Hill House io scelgo di fidarmi
a scatola chiusa.
Creepshow 26 settembre 2019
Negli
anni Ottanta il compianto George Romero aveva realizzato un film a
episodi firmato da un King sulla cresta dell'onda. Fortunato
horror a basso budget, qualche anno dopo aveva avuto anche un
seguito. Il franchise riparte trent'anni dopo. Sotto Halloween,
prodotto dalla AMC, il grottesco carosello di Creepshow propone
altre sei storie da brivido. Accanto a King, scrivono Joe Hill, Joe
R. Lansdale e Josh Malerman. Se Ryan Murphy è venuto a noia da un
pezzo e la visione dell'ultimo American
Horror Story è
quanto mai in forse, per questa squadra di scrittori, al contrario,
sono già seduto in poltrona.
The Witcher Fine 2019
In
assenza di Game of Thrones e
in attesa del Signore degli anelli,
gli amanti del binge e del genere fantasy possono consolarsi con The
Witcher. Famosa saga
letteraria del polacco Andrzej Sapkowski, forse più nota per i
videogiochi che per i romanzi, seguirà un biondo Henry Cavill –
contestato da qualche nerd, ha fatto ricredere tutti o quasi in
queste prime immagini – mentre, da bravo mercenario, caccia
indistintamente demoni, orchi, elfi. Non esattamente il mio
genere, ma auguro agli appassionati buona visione.
His Dark Materials Fine 2019
Dopo
il flop del film Chris Weitz, arrivato in sala dodici anni fa con un
cast di tutto rispetto, la trilogia fantasy di Philip Pullman –
autore celebrato tanto quanto la Rowling, nonostante la scarsa
popolarità qui in Italia – cede al piccolo schermo. Piccolo, be',
si fa per dire. Produce la HBO, sempre in cerca di nuove punte di
diamante; recitano James McAvoy, Ruth Wilson e la piccola Dafne Keen,
già apprezzata in Logan;
dirige il premio Oscar Tom Hooper, atteso al varco anche per
Cats. La “bussola
d'oro”, questa volta, punterà nella direzione che porta al
successo?
Artemis Fowl 2020
Ispirato
alla serie per ragazzi di Eoin Colfer, di cui avevo letto il primo
volume una quindicina di anni fa senza nessun entusiasmo, fuori tempo
massimo arriva in sala anche Artemis Fowl.
Altro progetto spesso tramontato sul nascere. Altro film dalla
lavorazione lunga e accidentata. Come se non bastasse, previsto per
novembre, adesso è slittato direttamente all'anno prossimo per
ragioni imperscrutabili. Domandiamolo alla Disney, sempre più
carente di buone idee, e al regista Kenneth Branagh, qui alle prese
con gli effetti speciali a profusione già mal gestiti in Thor:
serviva?
Watchmen Ottobre 2019
Non
serve essere un accanito lettore di fumetti per averlo sentito
nominare. Watchmen,
la serie di Alan Moore, è un'istituzione. Inserita dal Time
fra
le cento migliori letture pubblicate dal 1923 al 2010, già
protagonista di una trasposizione diretta da Zack Snyder, a ottobre
sarà anche una serie HBO. Nel cast, i premi Oscar Jeremy Irons e
Regina King. In una realtà alternativa in cui la Guerra Fredda è
ancora in atto, dei vigilanti mascherati sono l'arma segreta degli
Stati Uniti. Nell'attesa, vi consiglio vivamente la visione di The
Boys
su Amazon Prime Video.
Cercando Alaska 18 ottobre
Avevo
ormai perso le speranze. Ci avevo rinunciato. Eppure, ad anni di
distanza dalla lettura del romanzo – tutt'oggi il mio preferito di
John Green – e dopo l'annuncio di un film diretto da Sarah Polley
sfortunatamente mai andato in porto, l'ossessione di Cercando
Alaska ritorna. Sarà una
miniserie Hulu in otto puntate ambientata agli inizi del nuovo
millennio. Lui ama lei, ma lei ha un cuore impenetrabile che la
porterà a commettere scelte scellerate. Ripasserò i dolori della
lettura grazie al piccolo schermo. Della serie so poco altro, ma non
importa: sono già felice così.
Ero
partito annoiato in partenza. Negativamente prevenuto, e per via di
un passaparola che, fra fumetti, romanzi e pubblicità, aveva reso poco sentito il ritorno a Hawkins.
Sono uno spettatore che si annoia presto: la seconda stagione, troppo
seriosa per i miei gusti, aveva già smorzato gli entusiasmi
iniziali. Sono un pioniere solitario che alle mete frequentatissime – per esempio Game of Thrones,
mai seguita – non s'interessa. Per fortuna cambiare idea si può.
Così come, partiti sulla difensiva, ritrovarsi a
guardare con gli occhi a cuoricino una sorprendente terza stagione:
forse la migliore. Il merito non spetta, no, all'inventiva degli
sceneggiatori. Stranger Things è sempre lo stesso, ma quest'anno c'è magia nel contenitore con all'interno il meglio degli anni Ottanta. Non soltanto creature
alla Tremors o invasati che ricordano gli zombie di Romero, ma anche l'umorismo delle
commedie adolescenziali: ironiche e smaliziate, con
tanto di conflitto maschi contro femmine o di giochi da tavolo
traditi, infine, per i primi baci. I protagonisti sono
diventati grandi. A un passo dall'adolescenza sperimentano pomiciate
e gelosie; imboccano strade differenti ma la paura li raduna comunque
nello stesso luogo. Più horror che in passato ma anche più spassoso, Stranger Things si
veste di leggerezza per l'estate. Mentre il quattro luglio si
avvicina, e distrae gli adulti con le giostre in piazza o i cieli di
mille colori, nessuno sembra accorgersi del pericolo in agguato: i
russi trafficano con il paranormale e come laboratorio segreto hanno il nuovo centro commerciale. La Ryder e Harbour, abbastanza sopra le righe da risultare irritanti, torchiano un sovietico già idolatrato in rete;
l'esilarante Steve, lasciata la noiosa Nancy a indagare, serve gelati accanto a una nuova arrivata – la splendida
figlia di Uma Thurman e Ethan Hawke – e s'intrufola in cunicoli
proibiti guidato da Dustin e dalla sorellina di Lucas, altra
inaspettata spalla comica; Eleven, confusa dai sentimenti verso Mike
e ancora al centro del ciclone, questa volta preferisce affidarsi ai pregi della coralità nella lotta al male. Il Mind Flayer, infatti,
non è andato via. Splatter e irriverente, un
tempo poteva contare soprattutto sull'effetto nostalgia e sui poteri
straordinari della sua eroina: al centro di un assedio adrenalinico,
queste otto puntate aggiuntive spaziano invece dal survival allo
spionaggio, regalandoci un'avventura basata su comprimari vincenti e
toni sempre indovinati. La sensazione che ci assale, ai titoli di
coda, è una malinconia simile a quella del mese di settembre. Come
rinunciare all'incanto di vacanze in cui ogni stranezza è possibile,
se ci aspettano la scuola e le responsabilità degli adulti?
Spaventano i viaggi e il dolore; spaventano i cambiamenti. Ma a
tirarci su, sotto forma di duetto, c'è una canzone iconica finora
associata alla Storia infinita:
canta di mondi di fantasia e favole senza fine. Sarebbe stato
bellissimo, tuttavia, se Stranger Things avesse
voluto contraddirla per fermarsi qui: a un finale con i fuochi
d'artificio, che piace immaginare risolutivo perché perfetto. (8)
Lui,
lei, l'altro: un triangolo a tinte gay, consumato fra realtà
virtuale e vita vissuta. C'è lo spunto, ma manca lo sviluppo. Un
tassista sull'orlo di una crisi di nervi prende in ostaggio lo
stagista di una società di comunicazioni: c'è un attore incredibile, ma manca una
riflessione che risulti meno didascalica di così. Un'adolescente emarginata
trova un'amica nella bambola progetta a immagine e somiglianza di una
cantante sulla cresta dell'onda, ma la quotidianità di
una star generazionale non è tutta applausi o luccicori: a bordo c'è
un'ospite chiacchieratissima, Miley Cyrus, ma manca il senso. La
superficie dello specchio nero di Charlie Brooker era già incrinata
da un po'. Quest'anno apre le ennesime, preoccupanti crepe, ma spiace
meno dello scorso anno grazie a pochi episodi – tre in totale –
che almeno invogliano al binge. Attento non tanto alla fantascienza
quanto all'umano, Black Mirror riflette sui social media e
sull'importanza della comunicazione faccia a faccia: cosa mai
accaduta prima, si apre perfino alla speranza. Su carta, quelli
descritti potrebbero sembrare i segreti di una stagione che reagisce
alla stanchezza rinnovandosi. Ma, un po' delusi, ci si accorge che
sono semplicemente le avvisaglie di una serie che in assenza di
fantasia sta perdendo la ferocia delle idee iniziali. Realizzando
episodi con la lunghezza dei mediometraggi, di buona qualità ma niente affatto memorabili, che chiudono la satira fra parentesi tonde e
passano dal dramma omosessuale al thriller alla Locke, fino a
concedersi una tappa inclassificabile nella commedia adolescenziale.
Caro Brooker, ora fermati. Prenditi il tempo che serve, per scrivere e
metabolizzare le critiche ricevute. Frena le pressioni dell'emittente e, se
necessario, non proseguire. Cerca il brillantante per il tuo specchio
opaco, o cambiagli titolo; trovagli un nuovo impiego. Non basta l'indiscutibile bravura di Andrew Scott, preferibile al Vetril, per tirarlo a lucido
come pretenderemmo. (6,5)
In
sovrappeso, seguita a ruota da una migliore amica dai dubbi gusti
sessuali, figlia di una mamma single che per lavoro sforna burritos e
di un padre dall'identità segreta, Patty, diciassette anni e
sentirsene cento, è il ritratto dell'impopolarità in un'età – in
un Paese – che pretenderebbe bellezza, valori tradizionali, modelli
vincenti. Chi poteva immaginarlo che l'ennesima prepotenza – il
pugno di un barbone rissoso – avesse dei pregi? Dimagrita di trenta
chili durante la convalescenza, più avvenente ma non per questo più
felice, la liceale punta alla vendetta. Adesso vuole vincere, anche a
costo di umiliare o allontanare gli altri. Soltanto così può andare
oltre il famigerato soprannome di Maiale Patty. Rimpiazzandolo,
magari, con una nuova reputazione: anche pessima. Sete di sangue e
fame di vendetta portano la semisconosciuta Debby Ryan a incrociare
così la strada di Dallas Roberts, irresistibile cinquantenne in
crisi d'identità – ufficialmente avvocato ma, a porte chiuse,
consulente di bellezza nell'occhio del ciclone –, che si barcamena
fra le arringhe e i pettegolezzi, la moglie Alyssa Milano e il rivale
brillante di un Christopher Gorham che più invecchia, più si fa
bello. Boicottato per presunto fat
shaming, Insatiable è
l'anti-Tredici per
eccellenza: commedia adolescenziale di nero vestita che scherza sullo
stupro, sull'aborto e la sessualità, sui chili in più, con sommo
disappunto di chi non apprezza il grottesco o l'umorismo caustico. A
ben vedere, però, il dente avvelenato è pura apparenza: ecco la
morale, sempre (ben) nascosta dietro l'ennesimo sfottò alle serie TV
a tesi, al perbenismo medio-borghese, a cacce alle streghe in nome
del politicamente corretto che di questi tempi fanno più male che
bene. Cattiva Patty, che per tutta l'adolescenza ha covato tra sé e
sé una rabbia ferocissima, o forse gli altri? I comportamenti
diseducativi dell'ex bruttina, comunque eternamente sulla difensiva,
smascherano infatti l'opportunismo di nemici convertiti in amanti. Si
parte dalle aule di tribunale del pilot, per poi muoversi fra
concorsi di bellezza e aule scolastiche: la stessa giungla
spietata. Insatiable,
ho constatato con un po' di sorpresa, non ha la struttura della
comedy che ci si aspetterebbe: quei quaranta minuti, giudicati troppi
all'inizio, si rivelano utili invece per seguire le vicende di amici,
mentori e figuranti, tutti ugualmente indispensabili – e, sempre
con un po' di sorpresa, tocca scoprire strada facendo quanto gli
intrighi degli adulti divertano più di quelli dei giovanissimi del
cast. La scrittura, per quanto spassosa, non è purtroppo il punto
forte: va incontro a qualche problema con personaggi che troppo in
fretta passano da buoni a cattivi, dall'ira al pentimento insincero;
svolte e situazioni a dir poco sopra le righe, con attori ridotti a
macchiette caricaturali per amore della risata facile; contaminazioni
con l'horror o con le soap opera che mancano tuttavia del candore
sincero di un Jane
The Virgin.
Deliziosamente perfido, questo guilty pleasure al sangue pizzica il
palato con personaggi al limite – dell'immoralità, del buon gusto
– e battute senza peli sulla lingua che scontenteranno i buonisti.
Se la scorrettezza con me vince facile, minaccia sul fronte opposto
di far perdere iscrizioni in casa Netflix: probabilmente non
rivedremo Insatiable,
da sacrificare sull'altare delle future cancellazioni, e me ne
dispiaccio. Morale della favola? La vendetta dà la bulimia. Ma la
mia insaziabile fame di trash, intanto, è stata per fortuna
parzialmente placata. (6,5)
Dopo
l'affannoso trascinarsi della stagione
precedente, inatteso e in sordina torna per la quarta
volta UnREAL.
Il proposito di non proseguire: accantonato senza ripensamenti alla
notizia che all'indomani di questo nuovo arco di episodi – otto, e
non dieci come da patti – non ce ne sarebbero stati altri.
Accorciata, cancellata, la serie scritta dall'acclamata Marti Noxon –
autrice in questo stesso palinsesto del soporifero Sharp
Objects –
era stata infatti salvata da Hulu, e da Hulu messa in streaming per
un binge
watching conclusivo.
Lasciati da parte i toni delle passate puntate, più moraliste e per
questo, forse, inadatte a chi sin dall'inizio domandava
intrattenimento senza tabù, Everlasting –
fittizio programma d'incontri sulla scia del nostro Temptation's
Island –
riscopre fieramente il trash e la crudeltà. Che gli spettatori
armati di un altro po' di pazienza, perciò, si preparino a
un'edizione stellare. Shiri Appleby e Constance Zimmer, all'apparenza
complici e manipolatrici come ai tempi d'oro, hanno chiamato
all'appello vecchi concorrenti affinché a nessuno venisse negato il
lieto fine. Tra questi, un ballerino bisessuale e tossicodipendente,
con un programma tutto suo in uscita e le peggiori intenzioni di
rovinarsi gambe e reputazione; una giovane vittima di stupro che in
gara ritrova proprio il suo assalitore, ben lontano dall'abbandonare
il suo spregevole vizietto; una spogliarellista, un'intrusa, che
nella sorpresa generale dà al femminismo un nuovo volto. Se Quinn,
incinta contro ogni pronostico, a tratti si addolcisce in nome
dell'istinto materno, è una Rachel bionda e spregiudicata a far
sembrare quisquiglie gli scorsi misfatti: totalmente fuori controllo,
fa concorrenza alle partecipanti, facendo perdere il conto degli
amanti e degli errori. È lei la vera nemica delle ragazze in gara, e
soprattutto di sé stessa. Per un lungo tratto, dunque, riaccogliamo
a braccia aperte il black humour, i piani machiavellici, gli
sgambetti che infrangono legge e buon gusto. Cosa vuol saperne la
coscienza, infatti, se lo share parla chiaro? Troppo presto, però,
per cantare vittoria. E ci si mette purtroppo di mezzo quel finale
affrettato, imperdonabilmente tarallucci e vino, all'insegna della
solidarietà – e dell'incoerenza – femminile. Più che una brusca
virata, si fa allora retromarcia. Quando, date le premesse, il
redivivo UnREAL poteva
ambire in extremis persino a superarsi. (6)
|Heidi, di Francesco Muzzopappa. Fazi, € 15, pp. 237 |
Quest'anno
ha un titolo che cita l'eroina tutta prati e libertà
dell'anime di Hayao Miyazaki – non eravamo a Woodstock, no, ma nella Svizzera
ottocentesca raccontata prima ancora da una certa Johanna Spyri,
parola di Wikipedia – eppure Francesco Muzzopappa ha un tempismo
che neanche Mary Poppins. Per sua fortuna non è servito un ombrello
volante quanto mai fuori stagione. Me l'ha portato il postino qualche
giorno fa, l'unico abbastanza intrepido da potermi vedere senza
trasformarsi in un blocco di pietra nel pieno di una sessione estiva
che mi vuole trascurato, brutto, intrattabile – il solito me,
insomma, ma con molta più barba a chiazze. Penso che potrei
abituarmi a essere viziato un po'. Sapendo ormai che il tempestivo
autore barese mi legge nel pensiero e nei disagi, come immaginare un
altro periodaccio senza le risate a profusione che solo lui e pochi
altri assicurano? Per il suo sperato ritorno ha cambiato città,
professione, sesso. Parla, e adesso è Chiara: trentacinque anni, la
frangetta, una passione sconsiderata per le canzoni di Gary Barlow,
costretta in ufficio per dodici delle ventiquattro ore della sua
giornate. Tutto normale, se impiegata a rischio di licenziamento in
un'azienda uscita da una Milano nevrotica, futurista, dominata da
edifici di vetro e acciaio, puntualità maniacale e hipster
dappertutto. Come sopravvivere al martellare della routine da astemi:
darsi alle scorte di cioccolato per sopperire alla generale mancanza
di affetto e agli ansiolitici di contrabbando, ingollati come fossero
tisane al bergamotto prima di coricarsi. L'ordine mentale di Chiara,
purtroppo, ha nemici giurati contro cui l'organizzazione e la calma
dello Xanax nulla possono: lo Yeti, capo diabolico con la stessa politica sessista di Harvey Weinstein e accese
conversazioni con Siri; la convivenza forzata con Massimo Lombroso,
spietata firma del Corriere della Sera che si dà il caso essere suo padre nonché la vittima di una galoppante demenza senile. Eccolo
lì, mentre danza come il nonno artritico di Bolle, pretende
le caramelle o si incanta a guardare i balli folkloristici sui canali
locali, semina disordine a destra e a manca e non mette mai i tappi
sui pennarelli: non fatevi trarre in inganno, però, dal suo
trasognato scodinzolare qui e lì. Lombroso ha un'alta citazione per
ogni occasione, ricorda le parole di Byron, Dickens e Roth, ma non il
nome dell'unica figlia. Perché il superfluo e Chiara no? L'anziano
chiede di Fiocco di neve, Nebbia, Clara e della misteriosa sparizione
delle alpi all'orizzonte, in preda a un buffo delirio cartoonesco.
Ma nella metropoli nostrana in cui tutto va di fretta, comprese le
malattie degenerative, caprette, fanciulle in carrozzella e paesaggi
da cartolina hanno vita breve: alla mancanza di nebbia (non dico il
cane, bensì il fenomeno metereologico) risponde almeno la piaga dello smog. Dettagli comunque trascurabili per l'anziano:
Chiara è Heidi e Thomas – fisioterapista ventottenne con il look
da surfista, una famiglia che gestisce il Central Perk,
le scampagnate di domenica perché fuori in fondo è pur sempre
estate – è l'inseparabile Peter.
Penso
troppo, a volte; sono maestra nel rendere la mia vita difficile.
Sembrerebbe
la protagonista di una commedia di Barbara Fiorio, ma invece puoi
leggere di lei in un Muzzopappa sorprendentemente a proprio agio con
una narratrice femminile: il segreto, forse, è non fare due pesi, due
misure. Come fanno quegli scrittori che non sanno prendersi in giro?
Francesco ha fatto della parodia un ramo della narrativa italiana
e riconfermato, qui, come il romanzo umoristico viva non solo in
funzione dei facili sorrisi di sorta. Come campa, soprattutto, quella
gente che: giammai, io accendo la tivù soltanto per vedere Voyager
e Superquark, mica
Quattro ristoranti?
Fate come me, oggi alle prese con una confessione shock: Piero e
Alberto Angela li conosco giusto per i meme su Facebook, davanti ai
programmi culturali storco gli occhi e, nelle sessioni di zapping
durante i pasti, mi divido tra un Rubio e un Rugiati, DMAX e
TV8. La sfida della nostra Heidi, addetta ai casting, è infatti
smistare provini esilaranti e format così assurdi da funzionare, in
cerca di idee vincenti e piani alternativi.
Una
volta, per curare certe patologie si andava dal medico. Ora si va in
televisione.
Una posizione scomoda descriveva il
mondo della pornografia senza cadere nella volgarità; Dente per denteviolava i dieci
comandamenti per vendetta, eppure chissà come appariva indegno di
scomunica. Heidi parla,
fra le altre cose, di televisione spazzatura, ma non è mai trash. Le
disavventure nei corridoi della fittizia Videogramma – dove si
vendono illusioni, passatempo e aria fritta – fanno share, e pure ridere. Fra momenti di grande tenerezza e qualche altro di
romanticismo, uno shot di Laura Palmer e una Carrie Bradshaw ben
cotta al ristorante dei genitori di Thomas, l'umorismo caustico del
romanzo precedente cede il passo alla leggerezza di un rosa pastello
che proprio non stona. La Madonnina, dall'alto, veglia con aria
compassionevole e le braccia spalancate, come a dire: tranquilla,
Chiara, ci si separa, spesso si fa fiasco, ma alla fine si torna
sempre insieme per l'happy ending. Come i Take That.
Il
mio voto: ★★★½
Il
mio consiglio musicale: Talking Heads – Found a Job
