Primo
giorno di università per Justine – diciannove anni, una maglietta
con gli unicorni, una famiglia vegetariana. Diligente e ben educata,
è destinata a diventare la prima della facoltà. A traviarla, il
giro sulla giostra delle prime volte. Justine fantastica sui gemiti
che provengono dalla stanza dell'attraente coinquilino gay. Prima ne
segue le orme e poi prende le distanze da una sorella maggiore che ha
rinnegato la dieta bio e le sue origini alto-borghesi. Assaggia un morso di carne
cruda, per gioco, e capisce che il suo corpo ne
ha bisogno. Raw, tanto cruento da provocare conati di vomito a
Cannes, fa socchiudere gli occhi in preda a un vago disgusto, ma non
mette mai a dura prova le resistenze. Horror ibrido, femminile,
francese, è un esordio che ha la ricercatezza e la profondità del
cinema festivaliero. Lontano dai bagni di sangue, nonostante Garance Marillier abbia sempre il mento imbrattato di rosso
arterioso, somiglia a un romanzo di
formazione non di difficile interpretazione. Originale e mirato, grottesco e
sottilmente erotico, Raw
racconta la scoperta di sé con leggerezza e stile – ha un che di Dolan, ad esempio, Ma che freddo fa in chiusura o la sequenza in cui gli studenti, sporchi di
vernice, sono spinti a baciarsi in una versione surreale del gioco
della bottiglia. Il tempo delle mele ha i vestiti corti
e la ceretta alla brasiliana, il bicchiere sempre pieno e un sesso
di fretta. Cosa direbbero i genitori, a cui Justine deve i modi da bimba e
il regime alimentare? Dovrebbe forse prendere esempio da Alexia,
spintasi ormai troppo in là? La protagonista tampona uno sbaffo di
rossetto sulle labbra, un rivolo di sangue sul mento. Ti guarda con
gli occhi di chi ha imparato ad arte a padroneggiare l'arma della
malizia. Raw è
l'addio al liceo, al nido, alle inibizioni. Uno strappo del cordone
ombelicale, cambiare pelle. L'indipendenza spalanca gli occhi e lo
stomaco. Fuori c'era un mondo che per tutto il tempo aspettava solo
noi – e reclamava carne fresca. E Justine, di quel
mondo, ha fame chimica. (7,5)
Quando
parlo di cinecomic è perché mi porta a vederli di peso papà.
Quando capita, lo faccio sempre con gli stessi toni. Tocca annoiarvi
anche con la cronaca dell'ultimo giunto in sala?
Benché diretto dalla regista di Monster, il cinecomic sulle
origini dell'amazzone DC non fa breccia. Cominciamo malissimo, con una
prima metà vittima spesso del ridicolo involontario: su un'isola
interamente popolata da donne – una novella Lesbo protetta da
schiere di Xena –, Gal Gadot è una Sirenetta che
sceglie di seguire il naufrago Chris Pine nel mondo reale. Fuori c'è la guerra, ed è tutta colpa di Ares. E
anche una Europa grigiastra e sotto assedio, in cui tutti vanno di
fretta e indossano abiti scomodi. Se sopravvissuti all'incipit, la seconda parte si farà seguire con meno smorfie:
un po' Allied, tra battute
maliziose e gala a cui infiltrarsi; un po' un Hacksaw Ridge
in gonnella, con mine calciate
ed eroismo spiccio in trincea. L'amore tra due che si somigliano e si
pigliano sboccia, nonostante gli uomini servano solo per procreare e
le ragazze sappiano divertirsi da sé. I villain abbondano – un
nazista e la sua scienziata rubata a Austin Powers,
un Ares da ridere in chiusura – e, insieme all'inconsistenza
della sceneggiatura, risultano i tasti più dolenti. Rito di
iniziazione di una mancata femminista Disney, il Wonder
Woman della Jenkins è
un film introduttivo e non da cestinare in toto. Purtroppo, pecca di
una CGI non sempre inappuntabile e di quella sciatteria che non
perdono. Diana, come tutte le bellissime con la fascia da miss, fa discorsi sulla pace nel mondo e l'importanza dell'amore. A
lei dobbiamo la fine della Seconda guerra mondiale e gli uomini che si lasciano
volentieri salvare dalle loro innamorate, riposto l'orgoglio. Le
bambine e Alice Sabatini prendano appunti, intanto, così da
snocciolare sogni edificanti e la storia contemporanea secondo Zack Snyder nel prossimo futuro. (5,5)
Una
Napoli senza accento, un condominio in cui si intrecciano generazioni e solitudini. Un avvocato con la reputazione sporca stringe amicizia con la dirimpettaia: moglie di
un uomo nevrotico, spinge quel
signore scontroso a sorridere davanti a un caffè. Lo spunto lo
riconoscete, i personaggi forse: vengono dalla Tentazione di essere felici. Essenzialmente: la parabola di un vedovo che capiva che non tutta la vita veniva per
nuocere. Adatta con licenza poetica Amelio, autore di un
cinema soldissimo e sentito. Cambia il titolo, i nomi e le
professioni, la struttura. Ci sono le presentazioni in apertura, una
tragedia a metà, il percorso dei figli rancorosi in conclusione. La
dolcezza, in apparenza, solo nel nome. La tenerezza,
dramma intimista e di vecchio stampo, è infatti una storia altra e con un
altro linguaggio – questo, con buona pace dei lettori di Marone.
Ritratto disperato di un uomo che ha preferito fare terra bruciata
attorno a sé (Renato Carpentieri, di una bravura clamorosa), è la
trasposizione asciutta e realistica di un romanzo che, nell'anima,
era una favola partenopea. Al cinema c'è la solitudine della
vecchiaia: brutta bestia. Un perdono che si nega per il bene del
passato. La cronaca nera irrompe prima del previsto. Nomi altisonanti (Germano, la Ramazzotti, la Mezzogiorno; ci pensa
una Scacchi sotto shock, piuttosto, a scuotere con un monologo
bellissimo) richiamano l'attenzione dal poster ma non restano. La
tenerezza è un film
di genitori e figli. Di persone che, imperterrite, continuano a
sbagliare. E a prendersi a cuore il prossimo. Ci si
può disaffezionare? A settant'anni la vita smette di colpire sotto la cintola?
Si vive per conquistare il bene di un altro, in gran segreto, e
affinché qualcuno voglia affidarci il peso delle proprie chiavi di
casa. Interrompi la visione e ti chiedi se esista, questa
tenerezza. Cosa sia – un gesto o un sentimento? E in quale mano
tesa, in quale veglia proibita, cercarla. (7)
Anne
Hathaway torna in provincia con la coda tra le gambe. In una città
che non è cambiata neanche un po' incontra un compagno di scuola,
Jason Sudeikis. Mettici le atmosfere indie, mettici una colonna sonora ad hoc, e
otterresti una commedia romantica a là Blue Jay. Non mancano
due protagonisti amareggiati e stanchi, che hanno paura di crescere e
di piacersi, né i momenti di vulnerabilità faccia a faccia. Peccato
che i notiziari li vogliano vigili e preoccupati: nella lontana Corea
un mostro terrorizza gli abitanti. Peccato, soprattutto, che la lei
del duo si accorga che il mostro obbedisce ai suoi comandi. Fa
balletti buffi e inciampa. Commete massacri involontari quando è
brilla. Colossal, secondo film americano di Nacho Vigalondo, è
una creatura strana e, nel bene e nel male, unica nel suo genere.
Cosa c'è dietro la connessione telepatica di una donna sull'orlo di
una crisi di nervi e un alieno che mette a soqquadro l'altra parte
del mondo? Cosa nasce dall'incontro tra Drinking Buddies e
Godzilla? Se i trailer
suggeriscono una storia demeziale, a sorpresa Colossal
si rivela tutt'altro: denso e
semiserio, è una metafora – non del tutto riuscita, ma acuta –
che con la scusa dei mostri parla di noi. Precisamente,
dell'insoddisfazione perenne di una coppia impossibile – lei,
infatti, non ricambia le attenzioni di lui – che un giorno
qualsiasi può elevarsi dalla propria mediocrità, da fegati ulcerati
e matrimoni mancati, giocando a fare Dio. La Hathaway e Sudeikis,
bravissimi, fanno da spettatori annoaiti alle loro stesse vite. Di
pomeriggio, in un cortile, si accorgono di poter cambiare quelle
degli altri – annientarle, risparmiarle. Se vinto e disperato, ti
ecciterrebbe sentirti onnipotente? Colossal è
un racconto grottesco di amicizie a senso unico, ossessioni e seconde
chance. Una storia dall'equilibrio ondivago, che ci ricorda di
comportarci come se il prossimo dipendesse dal più piccolo gesto; da
una nostra birra di troppo. (6,5)
Quest'anno
lo spazio fa tendenza. Agli Oscar, la poesia di Arrival e
il cielo sopra Hidden Figures.
In sala, richiesto ma non troppo, il sequel di Prometheus.
A metà strada, lo scorso marzo, c'era anche questo Life
– un trio stellare, la regia del capacissimo Daniel Espinosa,
infondate voci di corridoio che lo volevano prequel di Venom.
Thriller fantascientifico nello spazio profondissimo, il film segue
gli studi di una squadra di astronauti intenti a studiare un campione
proveniente da Marte. C'è vita altrove. Da impercettibile e innocuo,
un punto sul vetrino, l'alieno crescerà e minaccerà di mandarli
alla deriva. Lo svolgimento, tutt'altro che inconsueto, si dipana tra
scelte di vita o di morte, esplosioni e fughe che somigliano a un
eterno rimpiattino. Reynolds, la Ferguson e Gyllenhaal –
quest'ultimo pesce fuor d'acqua in un blockbuster piacevole ma
mediocre – scappano fluttuando e vengono perseguitati in maniera
implacabile. Personaggi scritti con sufficienza impersonati da attori
sprecati, esiti assai intuibili, un mutante che non possiede né
l'iconismo di Blob né
la ferocia della Cosa.
Life, passato in
sordina perché non all'altezza delle attese iniziali, eppure non
dispiace. Accanto ai difetti: l'alta tensione e la cura di un
comparto tecnico che si ispira a Cuaròn, nelle vertigini e nei
capogiri. Senza peso, vola via nella sua tuta linda e perfetta. E che non sia l'infinito la
meta finale, nostro malgrado, poco tange. (5,5)
